Pordenone - Filmfestival 2009

Le Giornate del Cinema Muto - Pordenone

October 3 to October 10, 2009

Reihe: Retrospektive

A Baby's Shoe

Directed by:   Charles Brabin, USA - 1912
Production: Thomas A. Edison, Inc. - Distribution: The General Film Company - Director: Charles Brabin - Scenario: Robert E. Coffey - Cast: Walter Edwin Forest, a Coachman - Gertrude McCoy Forests Wife - Helen Coughlin Little Girl - Robert Brower Dr. Wilson -

La belle au bois dormont

Directed by:   Ferdinand Zecca, France - 1902
Production: Pathé Frères, Paris - Director: Lucien Nonguet - Ferdinand Zecca - Art Director: V. Lorant Heilbronn -

Les débuts d'un Chauffeur

Directed by:   Albert Capellani, France - 1907
Production: Pathé Frères, Paris - Director: Georges Hatot - Albert Capellani - Scenario: André Heuzé - Director of Photography: Segundo de Chomón - Cast: André Deed -

Dom na Trubnoi

(The House on Trubnaya Square, Parasha, House on Trubnaya), Directed by:   Boris Barnet, USSR - Sovjet Union - 1928
Production: Mezhrabpom-Rus - Director: Boris Barnet - Scenario: Anatoli Mariengof - Vadim Shershenevich - B Zorich - Viktor Shklovskij - Nikolaj Erdman - Director of Photography: Jevgenij Alexejev - Cast: Vjera Maretskaja Parasha Pitunova - P Barkchejev - Boris Barnet - Ada Vojtsik Fenia - Vladimir Uralskij - Jelena Tjapkina Madame Golikova - Vladimir Batalov Semjon Bivalov - Vladimir Fogel Golikob, Coiffeur - Aleksandr Gromov Onkel Fedja - Anel Sudakjevich Marina, Zofe -

Down on the farm

Directed by:   N. N., USA - 1905
Production: Edison Manufacturing Company - Director: N. N. - Director of Photography: Edwin S. Porter -

The Dream of a rarebit find

Directed by:   Edwin S. Porter, USA - 1909
Production: Edison Manufacturing Company - Director: Edwin S. Porter - Cast: John P. Brown -
Remarks and general Information: «"The Dream of a Rarebit Fiend” was a popular comic-strip series by illustrator Winsor McCay. A regular feature in the New York Telegram from 1904 until 1914, McCay’s most successful cartoon strip always began the same way: with a portly gentleman who had overindulged in a dinner of Welsh rarebit, a kind of cheese fondue over toast. The combination of grated cheese, beer, butter, and seasonings led to rarebit-induced nightmares of epic proportions. In McCay’s strip, the first frame depicts the diner getting into bed or falling asleep, and the succeeding frames are filled with remarkable dreams beautifully drawn about phobias and anxieties, ones often attendant on modern urban life featuring cityscapes, skylines, and skyscrapers. The strip ends with the dreamer awakening. The Edison Manufacturing Company film The Dream of a Rarebit Fiend, made by Edwin S. Porter and Wallace McCutcheon, emphasizes instead the illusion that inanimate objects move of their accord (e.g., the bed hops up and down, shoes move by themselves) and that the dreamer in his bed flies through the night sky. The movie opens with a medium shot of the gentleman-diner drinking alcohol and eating rarebit. But immediately after this conventional emblematic shot, Porter begins to employ tricks. The second shot is a double exposure of the gentleman, a swinging lamppost set in an exterior cityscape, and a background of panning, blurring New York City streets. As Charles Musser has written, “It suggested the subjective sensation of the fiend’s predicament without being a point-of-view shot”. After cinematically establishing the fiend’s inebriated state, the film depicts the man’s drunken adventures in his bedroom, a studio interior. First, his shoes appear to scamper across the floor and then the furniture disappears – the result of stop-motion cinematography. The Dream of a Rarebit Fiend took longer to produce and was a more elaborate production than most films of the time. Increased sales at Edison gave Porter and his collaborator Wallace McCutcheon (who left Edison for Biograph shortly after this film was released) the ability to work more painstakingly, using miniatures, scripts, and the unheard-of length of 2 months’ time to develop the elaborate effects in this movie. As the manufacturer’s catalogue said, “The picture is probably best described as being humorously humorous and mysteriously mysterious, and is certain to make the biggest kind of a ‘hit’ with any audience. Some of the photographic ‘stunts’ have never been seen or attempted before, and but few experts in photography will be able to understand how they are done.” The Dream of a Rarebit Fiend has generally been credited as an important American-produced antecedent of animated film.» – Lauren Rabinovitz, Pordenone Catalog 2009

Du skal aere din hustru

(Master of the House), Directed by:   Carl Theodor Dreyer, Danmark - 1925
Production: Palladium Film, Göteborg - Director: Carl Theodor Dreyer - Scenario: Carl Theodor Dreyer - Sven Rindom - Based on : Sven Rindom play - Director of Photography: George Schnéevoigt - Art Director: Carl Theodor Dreyer - Cast: Clara Schønfeld - Vilhelm Petersen - Mathilde Nielsen - Johannes Nielsen - Karin Nellemose - Johannes Meyer - Astrid Holm - Petrine Sonne -
Remarks and general Information: Ein engstirniger und pedantischer Ehemann und Vater tyrannisiert seine Familie, wird aber durch eine Verschwörung seiner Familie kuriert. Diese populäre Komödie ist auch eine intime psychologische Studie über männlichen Egoismus und über eine Frau, die psychisch unter grossem Druck steht. »DU SKAL AERE DIN HUSTRU war einer der ersten dänischen Filme, die das französische Rezept übernahmen, den Alltag gewöhnlicher Menschen zu beobachten. Der Film war daher gerade in Frankreich sehr erfolgreich; und diesem Erfolg verdankt Dreyer letzten Endes die Möglichkeit, seinen Film LA PASSION DE JEANNE D’ARC zu drehen.« (Dieter Krusche) Filmmuseum München

Die Gezeichneten

(Love one another), Directed by:   Carl Theodor Dreyer, Germany - 1922
Production: Primus-Film GmbH., Berlin - Director: Carl Theodor Dreyer - Scenario: Carl Theodor Dreyer - Story: Aage Madelung novel - Director of Photography: Friedrich Weinmann - Art Director: Jens G. Lind - Cast: Richard Boleslawski Gavrik - Ivan Bulatov Bauer - Elisabeth Pinajeff - Emmy Wyda - Friedrich Kühne - W Tschernoff - Sylvia Torff Zipe - Hugo Döblin Abraham - Adele Reuter-Eichberg Frau Segal - Thorleif Reiss Sascha - Johannes Meyer Rylowitsch - Vladimir Gajdarov Jakov - Polina Piechowska Hanna - Duvan Torzoff Suchowerski -
Synopsis in German: Auf dem Land kündigt sich bereits der historische Umbruch an, aber noch herrschen tief sitzende Ressentiments innerhalb der Bevölkerung, insbesondere gegen die jüdische Minderheit. So verlässt die junge Jüdin Hanne-Liebe Segal ihr Heimatdorf und hofft, bei ihrem Bruder Jakow in Sankt Petersburg unterzukommen; er ist zum Christentum konvertiert, um in der Stadt als Anwalt arbeiten zu können. Hanne-Liebe trifft ihren alten Freund Sascha wieder, der sich einer revolutionären Gruppe angeschlossen hat. Zu dieser gehört der undurchsichtige Rylowitsch, der seine Genossen an die russischen Behörden verrät und als Wandermönch antisemitische Hetze betreibt. In Hannes Heimatdorf löst Rylowitsch ein Pogrom gegen die jüdische Bevölkerung aus, unterstützt von Fedja, Hanne-Liebes Spielkameraden aus ihrer Kinderzeit. Hanne-Liebe und Jakow geraten mitten in die gewaltsamen Ausschreitungen, als sie in ihr Dorf kommen, da ihre Mutter im Sterben liegt. Jakow wird von Rylowitsch erschossen, Hanne-Liebe wird in letzter Sekunde von Sascha gerettet. (ARTE Presse)
Reviews in German: "Der Primus-Palast, Potsdamer Str. 19, wurde gestern abend vor geladenem Publikum mit "Die Gezeichneten" (nach dem gleichnamigen Roman von Aage Madelung, Manuskript und Regie: Carl Th. Dreyer) eröffnet, nachdem Kurt Gerron einen von Dr. Leo Leipziger verfaßten Prolog vorgetragen hatte. Das Problem dieses Films ist ein uraltes, doch ewig neues: der Kampf zweier Rassen, hier der jüdischen und der russischen. Vielleicht ist es auch richtiger, angesichts der unproportionierten Kräfteverhältnisse, von dem Schicksal der einen und der anderen zu sprechen. Bei diesem durch Fanatismus mancherlei Art scharf gemachten Daseins- und Vernichtungskampf entfalten sich alle niedrigen sowohl wie alle höheren Triebe der Menschen, die letzten Vorhänge vor den Urinstinkten, den grauenhaften und erhabenen, werden aufgegriffen. An Einzelschicksalen erweist sich auch die für ein ganzes Volk grundlegende Wahrheit: Es ist not, sich selber treu zu bleiben, seinem Glauben, seinem Wesen, seinem Sinn. Untreue führt zum Untergang, Treue triumphiert zuletzt über eine Welt von Teufeln und Viehnaturen. Dies offenbart sich deutlich an dem Schicksal der beiden Personen, die im Mittelpunkt der Handlung stehen. Der Advokat Segal, der dem Glauben seiner Väter untreu geworden, findet seinen Tod, Hanne-Liebe, seine Schwester, die seelisch Ergriffene, die tapfer Kämpfende, wird aus den Schrecken des Pogroms gerettet, durch ihren Geliebten. Die zarte Geschichte dieser beiden Liebenden, gestickt auf den gewaltigen, dräuenden Hintergrund eines trüben Volksschicksals, bildet denn auch, von Nebenhandlungen und Episoden abgesehen, die Fabel des Stückes. Das war genug, um einer gewandten und einfallsreichen Regie Gelegenheit zur Entfaltung fesselnder und ergreifender Bilder zu geben. Mit großer Liebe und Sorgfalt sind die einzelnen Szenen durchkomponiert, auf ihre photographische und seelische Wirkung berechnet. Vor allen Dingen macht Milieu und Ausstattung den Eindruck des Echten. Von verträumten Landschaftsbildern und Liebesszenen der Revolutionäre und schließlich, als dramatischen Höhepunkt, der aufwühlenden Blutrunst eines Pogroms zugeführt. Fast zu reichlich ist die Szenefolge, und hier müssen wir – wir dürfen es angesichts des großen Aktivkontos dieses Films – betonen, daß uns stellenweise etwas zu viel Titel vorhanden schienen, die einzelnen Szenen zuweilen zu kurz waren und die Bilder zu schnell abgeblendet wurden. Gerade die Schönheit der meisten Szenen rief den Wunsch wach, sie genügend lang, auch bis zur Aufnahme der Einzelheiten im Auge zu halten. – Das Spiel der Darsteller war fein abgestimmt, dezent, ohne Überbetonung, und vergriff sich kaum je in einer Nuance. Hervor ragen als Träger der Hauptrollen die Darsteller des Rechtsanwalts Segal (Wladimir Gaidarow, Stanislawskys Künstler-Theater, Moskau), der Hanne-Liebe (Gräfin Piechowska, Korsha-Theater, Moskau), des Studenten Sacha (Thorleif Reiss, National-Theater, Kristiania), des Fedja (Richard Boleslawski, Stanislawksys Künstler-Theater, Moskau). Eigentlich müßten wir alle nennen, denn alle brachten in hingebendem Spiel ihren Part zu lebenswirklicher Darstellung." (Film-Kurier, Nr. 44, vom 24. 2.1922)
Remarks and general Information: «"Die Gezeichneten" entstand in Dreyers früher Schaffensphase, es war einer der ersten Filme, den er außerhalb Dänemarks schuf. Gedreht wurde in der Nähe von Berlin. In Groß Lichterfelde Ost entstand eine Film-Stadt, die aus 25 verschiedenen Bauten bestand; mit einer Kommandatur, einer Synagoge und einer russischen Kirche wurden ein veritables Russen- und Judenviertel nachgebaut. Trotz offensichtlicher und von Dreyer immer wieder beklagter logistischer Schwierigkeiten beeindruckt der Film noch heute durch seine authentisch wirkenden Szenen des russischen Lebens zu Beginn des 20. Jahrhunderts, wie sie bis dahin kaum in einem Film zu sehen waren. Authentizität bekam der Film auch durch die Mitwirkung prominenter Schauspieler aus dem damaligen Russland, wie Polina Piekowskaja (Korsha-Theater, Moskau) oder Vladimir Gajdarov (Künstlertheater Moskau). Für die Massenszenen wurden russische und jüdische Komparsen aus Berlin und Umgebung engagiert, oft Flüchtlinge, von denen noch keiner vor einer Kamera gestanden hatte. Dreyer verdichtet die Geschichte in kammerspielhaften Tableaus und erzählt von den Erschütterungen zu Beginn der Moderne, vom Zusammenbruch der alten Welt und den damit einhergehenden Identitätskrisen.» (ARTE Presse) "Verlangen und Ehrgeiz, Revolution und Pogrome gegen die Juden im russischen Reich kurz nach der letzten Jahrhundert wende. DIE GEZEICHNETEN war einer von zwei Filmen, die Dreyer in den zwanziger Jahren in Deutschland gedreht hatte. Beeindruckend sind die umfangreichen Bauten, die detailgetreue Ausstattung und vor allem die Massenszenen, für die der Regisseur 600 russische Juden verpflichtete. »Wladimir Matusewitsch, der in Moskau diesen jahrelang verschollen geglaubten Film wieder gefunden hat, versichert, Dreyer habe es besser als die russischen Filmemacher verstanden, das Alltagsleben in Rußland mit Wahrheit und Authentizität zu evozieren.« (Jean Sémolué) Filmmuseum München

Der Golem, wie er in die Welt kam

Directed by:   Paul Wegener, Germany - 1920
Production: Universum-Film AG (UFA), Berlin - Director: Carl Boese - Paul Wegener - Scenario: Rochus Gliese - Henrik Galeen - Paul Wegener - Director of Photography: Karl Freund - Guido Seeber - Martin Knoops - Camera Operator: Robert Baberske - Composer: Karl-Ernst Sasse (Neue Musik - 1977) - Art Director: Walter Röhrig - Hans Pölzig - Rochus Gliese - Cast: Dore Paetzold Geliebte - Ernst Deutsch Gehilfe des Rabbi - Fritz Feld - Otto Gebühr Kaiser - Paul Wegener Golem - Hanns Sturm Rabbi Jehuda - Albert Steinrück Rabbi Löw - Greta Schröder - Lyda Salmonova Rabbi Löws Tochter Mirjam - Lothar Müthel Junker Florian - Loni Nest -
Synopsis in German: Als ein Edikt des Kaisers die Juden zum Verlassen der Ghettostadt auffordert, ist für Rabbi Löw die Zeit gekommen, nach den Regeln magischer Überlieferung aus Lehm die Gestalt des Golem zu formen, der zum Retter der Juden werden soll. Der kaiserliche Bote, Graf Florian, verliebt sich in Löws Tochter Mirjam. Während Rabbi Löw zur Audienz am Hof ist, wo er den Golem vorstellt, nutzt Florian die Zeit zu einem Schäferstündchen mit Mirjam.
Von Golem begeistert, fordert der Kaiser in seiner Euphorie magische Schauspiele von Löw. In einer Vision beschwört Löw den Gang der Juden aus Ägypten, fordert aber für seine Vorstellung absolute Ruhe, da sonst ein Unheil geschehe. Als das Gebot der Stille von Mitgliedern des Hofstaates durchbrochen wird, schwindet die Erscheinung, die magische Kräfte freisetzt und den kaiserlichen Palast in ein Trümmerfeld zu verwandeln droht.
Löws Golem rettet den Kaiser vor dem Verderben, der aus Dankbarkeit den Juden Schutz verspricht. Der Golem hat seine Pflicht erfüllt. Löw entfernt den segenspendenden "Schem", damit die Zauberkraft sich nicht gegen die Juden wende.
Aber der auf Florian eifersüchtige Famulus belebt erneut die Lehmfigur, um seinen Rivalen bei Mirjam auszuschalten. Jetzt entzieht sich der Golem dem menschlichen Willen und bringt Verderben und Zerstörung über die Ghettostadt. Noch einmal gelingt es Löw, die Stadt zu retten, während der Golem das Tor öffnet und in den Kreis spielender Kinder tritt. Ein kleines Mädchen entwindet ihm im Spiel den "Schem". Seiner Kraft beraubt, fällt die Lehmfigur zu Boden... (arte Presse)


Reviews in German: "Alt, dennoch neu. Keine Historie, sondern ein Traum von einer fernen Vergangenheit. Traumhaft urmächtig ragen die Bauten, Alleen schroffer Felsblöcke vergleichbar, mit Höhlen statt der Tore und toten Fensteraugen im kahlen Gemäuer...
Traumhaft. Nicht Körper, eher so etwas wie Verdichtungen toller, visionärer Wolken am Abendhimmel. Grauenvoll die Strassen der Judenstadt: Gebirgsplateau, übersät von riesenhaft gespenstischen Steinbrocken, vorweltlich, wie das Geschlecht, das in ihnen haust. Sind das noch Strassen, von Menschen erbaut? Über Wendeltreppen steigt man, die wie die verschlungenen Gänge in Knochenschädeln sich emporwinden; auf Türme, Felsnadeln, gen Himmel starrend...
Traumhaft, urweltlich: so hat Hans Pölzig die Judenstadt gebaut. [...] Im Mittelpunkt aber steht kein Mensch, sondern ein Tonklotz. Diesen Tonklotz auf das Primitivste einem Menschenkörper nachgebildet, spielt Paul Wegener.
Er schlägt die Augen auf: ein erster Blick in die Welt. Können Klötze blicken? Sie müssten so blicken: Fragend, unbehilflich, leer... Es ist nicht der Blick eines Menschen, noch nicht einmal der Blick eines Kindes: sondern wirklich ein zögernd-tröger Augenaufschlag der unbeseelten Natur zum Beseelten hin... Dann geht er einige Schritte, stelzenhaft, plump. Ein Meisterwerk... [...]
Welches wunderbare Motiv: Natur, zwischen Seelenlosigkeit und Seele schwebend, Körper zwischen Tonklotz und lebendem Organismus. "Du sollst zu Erde werden, denn aus Erde bist du gebaut", das ist der Mensch. Auch der Golem ist Erde, aber er hört niemals ganz auf, Erde zu sein: denn sein Schöpfer ist nicht Gott, nur ein Mensch. Und wie Erde und Meer hängt er rätselhaft mit den Konstellationen der Gestirne zusammen, die ihn wild macht zuzeiten, und zuzeiten milde: Ebbe und Flut. [...]
Halb seelenhaft, halb unbeseelt; wie aus Urtagen der Schöpfung selbst...
Das Bild: Alles; mehr als der Mensch. Jede einzelne Szene streng auf das Bildhafte hin abgestimmt. Fast zu streng, zu bildhaft; die Menschengestalt ist so rücksichtslos dem Bilde eingeordnet, dass sie sich mehr als einmal zur Groteske forcieren muss.
Doch über alle Begriffe, über alle Beschreibung schön die Bilder als Bilder, die Karl Freund mit einer nicht mehr zu überbietenden Meisterhaftigkeit gedreht hat." (Film-Kurier vom 30.10.1920)

«Paul Wegener hat mit diesem Werk seinem bisherigen Schaffen auf dem Gebiete des Kunstfilms die Krone aufgesetzt. Was wir zu sehen bekamen, war nicht nur bisher absolut unübertroffen, sondern auch für lange Zeit hinaus unübertreffbar, es sei denn, dass Wegener späterhin über sein Meisterwerk hinauswächst. Alles war so gewaltig, diese Bildersprache von einer so eindringlichen Wucht, dass Worte hier eigentlich viel zu schwach sind, um den Eindruck wiederzugeben, den der "Golem" auf einen macht. Ich habe auch nicht einen einzigen gehört, der es gewagt hätte, das eine oder andere daran kleinlich zu bekritteln, und das will immerhin schon allerhand heissen, wenn man bedenkt, dass bekanntlich die liebe Konkurrenz besonders bei allen auch nur halbwegs guten Filmen sich nur zu gern in der lieblichen Tätigkeit des Miesmachens übt.
Die Geschichte jenes rätselvollen Wesens, Golem genannt, das auf Grund von in uralten Schriften gefundenen Angaben von Menschenhand geschaffen, den Prager Juden durch ein Wunder die Befreiung, die Gleichberechtigung bringt. Es ist unerhört, wie Paul Wegener diesen Stoff zu gestalten wusste, und vor allen Dingen, wie er die Hauptfigur selbst spielte. Das ist schauspielerisches Können, wie es ihm keiner nachmachen dürfte, eine ganze Welt mit ihren Höhen und Tiefen liegt in dem Mienenspiel dieses Golemgesichts, man muss diesen Golem gesehen haben, wie er mit breitem Grinsen seines irdischen Schöpfers lacht, muss ihn gesehen haben, wie er gigantisch im Kaisersaal den Deckeneinsturz aufhält, muss ihn gesehen haben, wie er mit übernatürlicher Kraft den Blasebalg in Bewegung setzt, wie er die Liebenden in der Kammer überrascht, wie er fackelschwingend Brand und Verheerung verbreitend die Strassen hindurcheilt und gleich darauf, wie er sich mit mildem freundlichen Lächeln zu den Kindern neigt u.a.m. All das sind schauspielerische Glanzleistungen, die schlechthin vollendet sind.
Einen einzigartigen Rahmen für diese Handlung schuf Prof. Poelzig. Diese malerischen Gassen und Gässchen mit ihren krummen Stiegen, den verräucherten Häusern, die in ihrem ganzen Ausmass mit den kleinen Fensterchen und den winkligen Ziegeldächern etwas wiedergeben von der Gedrücktheit, in dem ihre Bewohner lebten, all das war schlechthin der Rahmen für diese Handlung, in jedem anderen wäre sie beinahe unmöglich gewesen, hier wirkte sie wie selbstverständlich, alles zerschmolz in eine einzige grosse Einheit, die gewaltige Szene der Erschaffung des Golem mit ihrem übernatürlichen Höllenspuk ebenso wie die Vision der Erzväter, die Synagogenszenen wie überhaupt die ganze Ausmalung des Prager Ghetto. Nicht zuletzt war es aber auch die Kunstphotographie von Karl Freund, die in Verbindung mit wundervollen Beleuchtungseffekten (so z. B. gleich im ersten Akt der besternte Himmel und die Synagogenbeleuchtung) eine bis dahin unerreichte Stileinheit schuf. Störend wirkten die zwar stilvollen (soweit deutsche gotische Schrift als stilvoll jüdische Schrift bezeichnet werden kann) aber dafür sehr oft völlig unleserlichen Titel. – Dieser Film ist eine Errungenschaft, die uns mit freudigem Stolz erfüllen kann. » (Fritz Olimsky, Berliner Börsen-Zeitung, 23.10.1920)

«Nun haben wir Wegeners "Golem" erlebt. Zwei Stunden lang war die Welt um uns her versunken; zwei Stunden war unser Ich aufgelöst in einer Sphäre, die aus brausenden Bächen uns überströmte. Wir haben in tiefster Seele gezittert, wir haben gejauchzt, geknirscht, Wunder bestaunt und vor Gott gebetet – nicht um unsertwillen, sondern weil wir – wie in einem Traum – einer anderen Welt zu eigen gehörten, die uns packte, die uns schüttelte, die uns zwang.
Unmittelbar nach der Wucht eines solchen Erlebnisses gibt es keine Analyse, keine klug ausgedachten Worte. Nur eine Frage drängt sich auf unsere Lippen: Ist so etwas möglich? Ist es dann denkbar, dem Filmband eine solche Gewalt – eine Zaubermacht, die allein höchsten Kunstschöpfungen innewohnt, einzuhauchen?
Paul Wegener hat es vollbracht. In seinen kurzen Worten vor Beginn des Spiels erzählt er uns, wie er immer wieder auf den Golem-Stoff zurückgekommen sei, weil er die Gestalt des Golem lieb habe. Nur seine Liebe, das Herzblut, das ein grosser Mensch und Künstler in diesen Film hat strömen lassen, konnte ein solches Werk zustande bringen.
In der Tat: Dieser Film ist Wegeners leibliches Kind, Er spiegelt alle Eigenheiten seiner Gestalt, seines Wesens, seiner darstellerischen Individualität getreu wieder. Die Schöpfung kann ihren Vater nicht verleugnen; sie hat die Wegnerschen Charakterzüge: gedrängteste Wucht, monumentale Knappheit, äusserste, zwingende Expression im Bau der Handlung, der Bilder, im Spiel der Künstler Wegener, Lyda Salmonova, Steinrück, Deutsch und jedes einzelnen. Nirgends ein Jota zu viel oder zu wenig; jede Einzelheit so, dass sie anders, besser nicht denkbar wäre.
Und als wir aus den jagenden Visionen wieder zum irdischen Dasein erwachten, als wir rund um uns hundert Gesichter sahen – ein jedes wohl bekannt in Kunst-Berlin und im Film-Berlin, da jauchzte in unseren Herzen das sieghafte Wissen: im Wettstreit der Völker um die flimmernde Kunst ist das blue ribbon für diesmal unser...
Auf die prachtvolle Golem-Musik Dr. Landsbergers, die ein hoher Genuss für sich war, wird unser Musikkritiker im nächsten Heft ausführlich eingehen. » (Hans Wollenberg, Lichtbild-Bühne, Nr. 44, 30.10.1920)

"16. Jahrhundert: Rabbi Löw, der geistliche Führer der jüdischn Gemeinschaft in Prag, ein Magier und Meister der schwarzen Kunst, haucht einer Lehmstatue Leben ein. Der Koloss rettet dem Kaiser das Leben, worauf dieser ein Dekret, das die Vertreibung der Juden aus Prag verordnet, widerruft. Als der Golem sich infolge einer verhängnisvollen Konstellation der Gestirne gegen seinen Schöpfer auflehnt, bricht ein kleines Mädchen seine Lebenskraft. - Wegeners Film war einer der künstlerisch wie gesellschaftlich grössten Erfolge der deutschen Stummfilmproduktion, dessen aussergewöhnliche, von Jugenstil und Expressionismus bestimmte Bild- und Dekorgestaltung nichts an suggestiver Wirkung eingebüsst hat." ( Film-Dienst)

«Bildgewaltiger, eindringlicher Horrorstreifen...» (tele 21/2009)
Remarks and general Information: »Parallelen und Nachahmungen zur Sagenverfilmung um den Prager Rabbi Judah Löw finden sich angefangen in "Das Cabinet des Dr. Caligari", bei dem Maschinenmenschen in "Metropolis" bis hin zu "Frankenstein". Mit seiner verwinkelten Stadt wurde "Golem, wie er in die Welt kam" zum Synonym für expressionistische plastische Filmarchitektur und gilt als der expressionistische Film schlechthin. "Es ist nicht Prag, was mein Freund, der Architekt Poelzig, aufgebaut hat. Sondern es ist eine Stadt-Dichtung, ein Traum, eine architektonische Paraphrase zum Thema Golem. Die Gassen und Plätze sollen an nichts Wirkliches erinnern, sie sollen die Atmosphäre schaffen, in der der Golem atmet", schrieb Paul Wegener. (Zitiert nach: Verleihkatalog Stiftung Deutsche Kinemathek, Berlin)
Der Film wurde im Sommer 1920 im Ufa-Union-Atelier und auf dem Ufa-Freigelände in Berlin-Tempelhof gedreht. Der Stoff von Paul Wegener war bereits 1914 von Henrik Galeen mit Paul Wegener in der Titelrolle verfilmt worden; parallel - aber unabhängig vom Film - schrieb Gustav Meyrink 1914 seinen Roman "Der Golem". Als "Nebenprodukt" drehte Paul Wegener 1917 den Film "Der Golem und die Tänzerin" (mit sich und Lyda Salmonova).» (arte Presse)

Zum Film existiert auch eine Musikfassung von Dmitrij Shostakovich und Ernest Bloch, bearbeitet von Aljosha Zimmermann. gespielt vom Gilman Quartett.

Was ist der Golem?
[Er ist der] Homunculus des tragischen Volkes [...] nicht aus chemischen Elementen destilliert, sondern aus Ton geformt wie jener erste gottnahe Mensch, den ein Mythos zum erhabensten aller Wesen macht [...] nicht durch das Vielleicht der Wissenschaft mit Teufels Hilfe; belebt durch den puren Geist, den wirkenden Namen Gottes, den Schem [...] kein lebendiges Wesen [...], sondern ein undurchdrungenes, nur physisch bekräftetes Wesen [...] der Knecht, der Golem; dumpf, gehorsam, ohne Vergangenheit, ohne Zukunft, ohne Dauer, ohne Gedächtnis, ein schauerliches Ding, das nur Gegenwart besitzt und Kraft der Arme, dessen Welt hinter den Augen erlischt, lebendig ohne zu leben, gegenwärtig ohne Seele, menschengestaltet und kein Mensch.
Der Golem der Legende ist ein gefesselter und niedriger Engel, ein Dämon, eine aktive göttliche Kraft, eingesperrt in Lehm. Die Trauer, die um ihn ist, ist die Trauer des Verbannten, des Geknechteten, des Herrschers als Knecht (Arnold Zweig)

Diese Tragik manifestiert sich im Ende des Kolosses, besiegt von der Unschuld eines Kindes, ein beliebtes Filmmotiv (u.a. in Frankenstein, 1931), das Wegener in seiner Romanfassung des Stoffes noch deutlicher herausarbeitet:
In der Wiese aber spielten blonde Kinder. Die hatten Kränze auf den Köpfen, und sie sangen und tanzten einen Ringelreihen wie die lieben Engelein auf der Himmelswiese.
Den Golem ergriff ein tiefes Sehnen, da hinauszutreten in Sonne und Licht. Er fasste den Balken, der die Torflügel sperrte, zerbrach ihn wie einen dürren Ast und schob langsam die schweren Torflügel auseinander. [...] Da erschraken die Kinder [...]. Schreiend liefen sie alle fort, und keines wagte auch nur, noch einmal zurückzuschauen.
Nur ein blondes Mägdlein hatte der Vorgänge nicht geachtet. Es sass still und verträumt mitten in der Blumenwiese, einen roten Apfel in der Hand. Der Golem sah verwundert den anderen Kindern nach, [...] doch dann fiel sein Auge auf das blonde Mägdlein [...]. Der Golem neigte sich ganz tief herab und sah dem Mägdlein in die blauen Kinderaugen. Dann fasste er es mit seinen gewaltigen Armen und hob es hoch empor an seine Brust. Unheimlich ward dem Kinde zumute, doch es bezwang sich und sah dem Koloss nah ins Gesicht und fühlte, dass er es gut mit ihr meine. Der Golem aber schaute das Kind unverwandt an [...] und staunte über das zarte, fremde Gebild. Und es ging ein Zucken über sein tönernes Antlitz. In diesem Augenblick soll er zum ersten Male ganz still und leise gelächelt haben.

Zur Musik
1995 erhielt Betty Olivero den Auftrag, für Giora Feidman und das Arditti Quartet eine neue Musik zu Paul Wegeners berühmten Stummfilm Der Golem, wie er in die Welt kam zu schreiben, die im April 1997 in Wien uraufgeführt wurde.
Die Komposition gibt einen musikalischen Kommentar zu einem der grundlegenden Konflikte des Golem-Mythos - Ist der Mensch fähig, Gott seiner Schöpferexklusivität zu entheben, darf er wagen, Gott gleich zu werden? - mit der Verwendung der aschkenasischen Melodie "Kol Nidre" für das ahnungsvolle Thema des mit der Erschaffung des Golems befassten Rabbi Löw. Dieses uralte Gebet steht zu Beginn der jüdischen Liturgie an Jom Kippur: die versammelte Gemeinde bittet Gott um die Erlaubnis zu beten, auch wenn sich Missetäter in ihrer Mitte befinden. Und sie bittet um Vergebung für alle Nichtbeachtung der Gebote, denn sie sind unwillentlich oder unwissend geschehen. So sind in dieser grossen Melodie bereits die Zweifel symbolisiert, die Rabbi Löws Gewissen bedrängen, schon während er seine Handlung vollzieht. Eingebunden in diesen Urgrund der Komposition sind die expressiven, dramatischen Motive der Musik - die Liebesszenen zwischen der Tochter des Rabbi und Junker Florian, die Zerstörung des kaiserlichen Palastes, Mord und Raserei des Golem, apokalyptische Feuersbrunst und die betende Menge in der Synagoge. / StummFilmMusikTage Erlangen

"Die Idee zu dem Film kam Regisseur Paul Wegener, ein Filmpionier der ersten Stunde, bei seinen Dreharbeiten zu "Der Student in Prag". Bei seinem Aufenthalt in der böhmischen Metropole hörte er erstmals die Legende vom Golem, die ihn so sehr faszinierte, dass er 1920 "Der Golem - wie er in die Welt kam" inszenierte. Wegener spielt ausserdem selbst die Hauptrolle des unheimlichen Wesens aus Lehm. Der Streifen war einer der grössten internationalen Kassenerfolge des deutschen Stummfilms.

Dabei hält sich die Handlung des Films nicht gerade strikt an die tatsächliche Legende des Golem. Sie spielt in einer Art jüdischem Ghetto, allerdings ist nicht zu erkennen, dass es in Prag liegt. Aber auch hier ist der weise Rabbi Loew der Erschaffer der Kreatur. Die Stellung der Sterne am Himmel haben dem Rabbi gezeigt, dass seinem Volk grosses Unheil droht. Und tatsächlich erscheint bald der Junker Florian mit einer schriftlichen Anweisung des Königs, der die Juden auffordert, die Stadt zu verlassen.

Der Rabbi sieht nun die Zeit dafür gekommen sein bisheriges Geheimnis, die Erschaffung eines Menschen aus Lehm, offen zu legen. Mit Hilfe seines Famulus erweckt Loew den Golem zum Leben. Dazu wird ihm ein Davidstern, der ein Pergament mit dem Wort "EMET" (Wahrheit) enthält in die Brust gesteckt. Das magische Wort hatte der Rabbi zuvor in einer wild inszenierten Schwarzen-Magie-Orgie einem Hausgeist entlockt.

Zum Leben erwacht unternimmt der Golem seine ersten Schritte, sehr ungelenk und für die anderen Juden zu Tode erschreckend. Bald aber kennt jeder den Golem, der für den Rabbi Holz hackt, Besorgungen erledigt und sich im Haushalt nützlich macht. Bei einer Audienz, die Rabbi Loew vor dem König gewährt wird, erweist er dann seinen wirklichen Nutzen. Das Schloss stürzt ein und der Golem rettet dem König und seinem Gefolge das Leben. Der König verspricht dem Rabbi sogleich das Bleiberecht für sein Volk.

Der Golem hat sich jedoch mittlerweile verändert. Während der Rabbi und alle anderen ein Fest vorbereiten um ihr Bleiberecht zu feiern, treibt der Golem sein Unwesen. Angestachelt vom Famulus des Rabbis, der rasend vor Eifersucht ist, bringt er den Junker Florian um, der bei Miriam, der Tochter des Rabbis ein Schäferstündchen gehalten hat. Bei dem Versuch den Golem zu besänftigen gerät das Haus in Flammen. Erst einem kleinen Mädchen, das der Golem beim Spielen antrifft als er sich gerade aus der Stadt macht, gelingt es per Zufall, das Amulett mit dem magischen Wort zu entfernen, der Golem fällt leblos zu Boden.

Die Kamera führte kein geringerer als Karl Freund, der nach seiner Übersiedlung in die USA dort 1933 mit "Die Mumie" einen der Horror-Klassiker schlechthin inszenierte. Auch die Spezialeffekte von Carl Boese sind für diese Zeit beachtlich, wie z.B. die tanzenden Feuer bei der Anrufung des Hausgeistes oder der Einsturz des Schlosses. Statt Pappwänden und Papierbemalung liess Paul Wegener den Architekten Hanns Poelzig auf dem Ufa-Gelände eine verwinkelte Stadt bauen, die zum Synonym für expressionistische plastische Filmarchitektur wurde. "Es ist nicht Prag, was mein Freund, der Architekt Poelzig, aufgebaut hat. Sondern es ist eine Stadt-Dichtung, ein Traum, eine architektonische Paraphrase zum dem Thema Golem. Die Gassen und Plätze sollen an nichts Wirkliches erinnern, sie sollen die Atmosphäre schaffen, in der der Golem atmet." (Paul Wegener, zitiert nach: Verleihkatalog Stiftung Deutsche Kinemathek, Berlin)


Gunnar Hedes Saga

(The Blizzard), Directed by:   Mauritz Stiller, Sweden - 1923
Production: AB Svensk Filminspelning - Producer: Charles Magnusson - Director: Mauritz Stiller - Scenario: Gustaf Molander - Mauritz Stiller - Alma Söderhjelm - Based on : Selma Lagerlöf novel: En herrgårdssägen - Director of Photography: Julius Jaenzon (AKA J. Julius) - Art Director: Axel Esbensen - Cast: Hugo Björne Gunnar’s father - Einar Hanson Gunnar Hedes - Gösta Hillberg Lawyer - Thecla Åhlander Miss Stava - Stina Berg Mrs. Blomgren - Adolf Olschansky Mr. Blomgren - Pauline Brunius Gunnar’s mother - Mary Johnson Ingrid -
Reviews in German: "Ein Fragment nur noch, aber was für ein Film !" (lhg 2009)
Remarks and general Information: »Nils und seine übermächtige Mutter leben in einem dunklen Herren­haus, im Schatten der Erinnerungen an den gewaltigen Großvater: den Erzählungen davon, wie er eine Ren-Herde durch das eisige Lappland trieb, für viel Geld verkaufte und so den Grundstock schuf für das Familienvermögen. Nils, Romantiker und Künstler, will es dem Großvater gleich tun, rennt von zu Hause weg hoch in den Norden, erwirbt eine Ren-Herde - und verliert bei einem schrecklichen Unfall sein Gedächtnis. Als er sich zu Hause wiederfindet, beginnen sich in seinem Kopf Gegenwart und Vergangenheit, Erinnerungen und Visionen oft ununterscheidbar zu durch­dringen. Ein spätes, zum Experimentellen hin tendierendes Meisterwerk Stillers - ganz ernst, erfüllt von schönem Pathos und heftig naturalistisch in seinen Szenen vom Ren-Trieb. Und dann wieder wie ein perplexes Taumeln, wenn Nils versucht, den Weg aus dem Spiegelkabinett seiner Seele zu finden. (R.H.) » (filmmmuseum.at)

Her first cake

Directed by:   James Williamson, Great Britain - 1906
Production: Williamson Kinematograph Co. - Director: James Williamson -

How Jones lost his roll

Directed by:   Edwin S. Porter, USA - 1905
Production: Edison Manufacturing Company - Director: Edwin S. Porter -

J'accuse

Directed by:   Abel Gance, France - 1919
Director: Abel Gance - Scenario: Abel Gance - Blaise Cendrars - Director of Photography: Marc Bujard - Maurice Forster - Léonce-Henri Burel - Editor: Marguerite Beaugé - Cast: Angèle Decori Marie, the servant - Angèle Guys Angèle - Mme. Mancini Mother Diaz - Maxime Desjardins Maria Lazare - Marise Dauvray - Séverin-Mars François Laurin - Romualdo Joubé Jean Diaz - Nader the army cook -
Synopsis in German: So wie Emile Zola öffentlich für den jüdischen Offizier Dreyfus Partei ergriff und das Fehlurteil der Militärjustiz gegen ihn 1898 blossstellte, so ist auch dieser 1918 entstandene Film ein Fanal der öffentlichen Anklage. Die Geschichte beginnt in einem kleinen Dorf im Süden Frankreichs kurz vor dem Ersten Weltkrieg. Zwei Männer rivalisieren um die Liebe einer Frau: der Schriftsteller Jean Diaz und François Laurin, ein aggressiver Charakter. An seiner Seite die unglückliche Edith, die Jean Diaz liebt, aber von ihrem Vater zur Ehe mit François Laurin gedrängt wurde. Als der Krieg ausbricht und François eingezogen wird, schickt er seine Frau zu seinen Eltern nach Lothringen. Die beiden Männer treffen sich an der Front wieder, Jean Diaz als Offizier, François als einfacher Soldat. Ihre private Rivalität wird an der Front zum Problem für die Truppe. Nachdem Jean eine gefährliche Mission für François übernommen und damit dessen Leben gerettet hat, werden die beiden zu engen Freunden. Nach vier Jahren ist Jean krank und wird vorzeitig entlassen. Er kehrt ins Dorf zurück, als seine Mutter stirbt. Edith kommt in derselben Nacht zurück. Sie wurde Opfer einer Vergewaltigung durch deutsche Soldaten und hat nun ein dreijähriges Kind, Angèle. Wie soll sie deren Existenz François erklären, der auch von der Front kommt und Jean in Verdacht hat, Vater des Kindes zu sein? Als François die Wahrheit erfährt, bedroht er Angèle. Jean löst die Situation, indem er François anbietet, gemeinsam an die Front zurückzukehren und das Unrecht an Edith zu rächen. (arte Presse)
Reviews in German: «Die Hauptschlacht ist impressionistisch: Zu Beginn wird nachdrücklich der schnelle Schnitt eingesetzt, wie er später in LA ROUE weiterentwickelt und dann in so vielen russischen Stummfilmen übernommen wurde, dass diese von Abel Gance eingeführte Neuerung als „Russische Montage“ bekannt wurde. Der Anfang prägte den Standard aller späteren Szenen eines Sturmangriffs: Der Offizier schaut auf seine Uhr… die Männer warten gespannt… Grossaufnahme der Uhr, als der Zeiger auf Null springt… die Männer klettern in Trauben aus dem Schützengraben nach vorn… Die Schlacht selbst ist chaotisch – ein totales Durcheinander, wie es die meisten Schlachten sind, aber filmisch ein höchst eindrucksvolles Durcheinander, mit wilden Fahraufnahmen, schnellen Schnitten, Qualm, verwischten Bildern, Explosionen…»
[Kevin Brownlow: Pioniere des Films: Vom Stummfilm bis Hollywood. Basel. Frankfurt am Main 1997]
Remarks and general Information: J’ACCUSE erzählt eine Geschichte aus dem Ersten Weltkrieg und ist nicht nur einer der technisch innovativsten und aufwändigsten filme seiner Zeit, sondern ist auch als eines der ersten pazifistischen Werke in die Filmgeschichte eingegangen. Abel Gance, der seinen Kriegsdienst abgeleistet hatte, filmte reale Kriegsszenen, die 1919 nachgestellt wurden. Der Film, der für Wiederaufführungen mehrfach gekürzt und umgeschnitten wurde, ist in einer sorgfältig rekonstruierten Form zu sehen. [www.internationale-stummfilmtage.de]

«"J'accuse - Ich klage an" von Abel Gance ist ein Klassiker des pazifistischen Films. Der zweiteilige Film entstand 1918 noch auf den Schlachtfeldern von Saint-Mihiel bei Verdun und führt in eindrucksvollen Bildern die Agonie des Krieges vor Augen. Entsprechend stark wurde der Film zensiert. Dank einer aufwendigen Restaurierung des Niederländischen EYE Film Instituts und von Lobster Films, Paris, liegt der Film nun in einer fast vollständigen Fassung vor. Dafür schrieb der französische Komponist Philippe Schoeller eine Film-Symphonie für grosses Orchester und virtuellen Chor, die am 8. November 2014 in Paris uraufgeführt wird. (...)

Abel Gance (1889-1981) war zu Beginn des Ersten Weltkriegs schon ein aufstrebender Filmregisseur; bis 1918 drehte er bereits gut 20 Filme; zeitweise war er in der Filmabteilung der französischen Armee tätig; wegen Tuberkulose wurde er vorzeitig entlassen. Ein unmittelbarer Impuls zu "J'accuse - Ich klage an" war der Antikriegsroman "Le feu" von Henri Barbusse (1916). Die Dreharbeiten begannen im August 1918, teilweise auf realen Schlachtfeldern wie dem von Saint-Mihiel, wo die US-amerikanische Armee kämpfte und Gance die Dreharbeiten erlaubte, ohne zu wissen, dass er einen Film gegen den Krieg im Sinn hatte. Diese Authentizität und insbesondere der ‚Marsch der Toten', für den Gance Soldaten einsetzte, die in Verdun gekämpft hatten und die nach den Dreharbeiten im September 1918 wieder an die Front mussten, begründeten den internationalen Erfolg des Films. Gance ging mit monumentalen Epen in die Filmgeschichte ein (neben "J'accuse" unter anderem "La Roue" von 1923 und "Napoléon" von 1927), die mit ihren experimentellen Bildtechniken und in ihrer visionären Kraft seine zahlreichen späteren Tonfilme weit überstrahlen.» (arte Presse)

J'ai perdu mon lorgnon

Directed by:   Charles Lucien Lépine, France - 1906
Production: Pathé Frères, Paris - Director: Charles Lucien Lépine - Director of Photography: Segundo de Chomón -

La Métallurgie au Creusot

(Creusot’s Metallurgy), Directed by:   nicht genannt, France - 1902
Production: Pathé Frères, Paris -

The merry widow

Directed by:   Erich von Stroheim, USA - 1925
Production: Metro-Goldwyn-Mayer - Producer: Irving Thalberg (/xx/) - Erich von Stroheim - Director: Erich von Stroheim - Assistant Director: Eddy Sowders - Louis Germonprez - Scenario: Benjamin Glazer - Erich von Stroheim - Story: Franz Lehár Operette - Director of Photography: Ben Reynolds - Oliver T. Marsh - William H. Daniels - Composer: Franz Lehár Operette als Vorlage - Berndt Heller - Editor: Frank E. Hull - Margaret Booth (/xx/) - Art Director: Cedric Gibbons - Richard Day - Cast: Edward Connelly Baron Popoff - William von Brincken - Josephine Crowell Königin Milena - Joan Crawford Statist in der Ballszene (/xx/) - Mae Murray Sally O'Hara - Carlotta Monti - Tully Marshall Baron Sixtus Sadoja - John Gilbert Prinz Danilo Petrovich - Clark Gable Statist in der Ballszene (/xx/) - George Fawcett König Nikita - Roy D'Arcy Kronprinz Mirko - Albert Conti Adjutant des Prinzen Danilo - Sidney Bracey Danilos Diener -
Synopsis in German: Eine kleine Theatertruppe gastiert in dem Operetten-Königreich Monteblanco. Prinz Danilo verliebt sich in die lebenslustige Tänzerin Sally O’Hara und möchte sie heiraten. Vor allem sein Cousin Kronprinz Mirko, der selbst ein Auge auf Sally geworfen hat, hintertreibt erfolgreich dieses Vorhaben. Enttäuscht heiratet Sally den reichsten Mann des Landes, der aber stirbt schon in der Hochzeitsnacht an einem Herzversagen. Sally vergnügt sich mit ihrem ererbten Vermögen in Paris und ist nun allseits als »Die lustige Witwe« bekannt. Danilo und Mirko reisen ihr aus Liebe und Geldgier nach …
Reviews in German: "Eine ironische, scharfsichtige und brillante Kritik am Kastengeist des Militärs und an der Liebesunfähigkeit der Männer." (Gong Lexikon der Filme) "Sehr frei nach der Lehár-Operette eifern zwei Prinzen um die Hand einer reichen und schönen Tänzerin. Von Stroheims Stummfilm-Klassiker ist eine funkelnde Satire auf die dekadente aristokratische Gesellschaft. Abenteuer und Liebesverwicklungen einer amerikanischen Revue-Truppe in einem imaginären Balkan-Fürstentum. Nach Motiven von Frnaz Lehárs Operette inszenierte Erich von Stroheim eine höhnische Travestie auf den Niedergang des Feudaladels. Der Film wurde sein größter kommerzieller Erfolg und war das einzige seiner Werke, das bis auf kleine Schnitte so aufgeführt wurde, wie er es konzipiert hatte. Gezeigt wird eine rekonstruierte Fassung mit den in Archiven aufgefundenen Original-Begleitmusikstücken." (Zoom) «Lehárs Operetten-Story unter dem Reagenzglas. Statt Süße: Satire, statt geflügeltem Gefühl: die Pathologie einer Gesellschaft, die den dreieinigen Gott Macht, Sexus und Geld verehrt. Ein betörend grausamer und zugleich lustvoller Film, in dem es von pomadisierten Monokelträgern wimmelt, von grinsenden Grafen, geilen Greisen und flattrigen Frauen, welche die Epoche als „Geschöpfe“ tituliert. Was diese Personen und ihre zerfließenden Triebe zusammenhält, ist das Korsett des esprit de corps und die boulevardbreiten Bahnen von Lüge und Konvention. Obgleich seinem Glanz verfallen, dem Walzertraum, Epaulettengold und Talmibarock der Opernhäuser, durchschaut Stroheim, der Hochstapler mit falschem Adelstitel, den Gegenstand seiner Obsession mit sarkastischer Trauer und der Gnadenlosigkeit eines analytischen Witzerzählers. Darüber hinaus macht er nichts Geringeres als das modernste Kino seiner Zeit. In Vorwegnahme: Buñuel mal Lubitsch plus Sternberg und Wilder. Und doch ganz einzigartig und unvergleichbar: Film von Erich „von” Stroheim.» (H.T., www.filmmuseum.at) «(...) Stroheims epische Fassung – sie dauert fast zweieinhalb Stunden, plus Pause – jongliert ebenfalls brillant mit verschiedenen Elementen und setzt sie zu einem einzigartigen Ganzen zusammen. Je öfter ich den Film sehe, desto deutlicher wird mir, was für ein Genie Erich von Stroheim ist. Man kann wohl ohne Übertreibung sagen, dass diese ‚Merry Widow’ der grandioseste Operettenfilm ist, der jemals gedreht wurde. Weil Stroheim und seine Drehbuchautoren das Genre ernst nehmen und die überbekannte Geschichte von zwei Liebenden, die erst nach vielen Umwegen zueinander finden, glaubhaft darstellen. Dabei hilft Stroheim eine wirklich einzigartige Besetzung: Mae Murray als kapriziöse Witwe, die aber auch fähig ist, echte Gefühle zu transportieren. Und John Gilbert als umwerfend charmanter Prinz Danilo, dem bei Stroheim ein fieser Alter Ego gegenüber gestellt ist, Prinz Mirko, den Roy D’Arcy als arroganter Stroheim-Look-a-like mit Monokel und viel zu langer Zigarette im Mund unglaublich gut spielt. Der Film insgesamt ist voller magic moments, zum Beispiel die berühmte Walzerszene zwischen Murray/Gilbert, ihr Auftritt als neureiche Witwe in Paris, mit Diamanten und Federn behangen, aber auch die erschütternde Szene, wo die kleine Jazztänzerin von Danilo verlassen wird und er sie am Tag der geplanten Hochzeit sitzen lässt. Das alles – und noch viel mehr – fängt Stroheim auf faszinierende Weise ein; es sind Bilder, die man nicht so schnell wieder vergisst (auch wegen der teils extravaganten Jazz Age-Kostüme von Richard Day)....» (Dr. Kevin Clarke, www.klassik.com) «(...) The Merry Widow steht ein bisschen verloren im Stroheimschen uvre: direkt nach dem gewaltigen Urgesteinsbrocken Greed und in allem das absolute Gegenteil. Eine stumme Operettenverfilmung mit zwei großen Stars, John Gilbert und Mae Murray. Kommerziell äußerst erfolgreich (Stroheim hat selbst keinen Cent gesehen) und ein Favorit der damaligen Kritik. Eine Auftragsarbeit, fast komplett im Studio gedreht. Und ganz im Gegensatz zu Greed ist The Merry Widow der Nachwelt fast vollständig überliefert. Indes, Die Lustige Witwe ist nicht Greed, auch nicht Foolish Wives: weniger gigantomanisch, weniger exzessiv, weniger besessen. Faszinierend ist Stroheims leichtestes Stück nichtsdestoweniger: als leichthändiges Spiel mit Genrekonventionen, als Kommentar auf gängige filmische Frauenbilder und auch als sehr persönliche Aneignung eines vorgegebenen Stoffes. Es sieht so aus, als habe Stroheim die besonderen Produktionsbedingungen auf ganz spezifische Weise genutzt. Als Spiel mit den Konventionen des Kinos, als kleinen Seitenhieb auf bestimmte Aspekte des Starruhms und zur Thematisierung der Schaulust als solcher. (Silvia Hallensleben, ORF.at)
Remarks and general Information: "»Wenn ich ›Die lustige Witwe‹ nicht schon komponiert hätte, so hätte mich dieser Film dazu veranlaßt, eine Operette ›Merry Widow‹ zu schreiben«, soll Franz Lehár anläßlich der Berliner Premiere des Films gesagt haben. Und obwohl THE MERRY WIDOW Stroheims größter Erfolg bei Publikum und Presse werden sollte, reagierte die deutsche Kritik eher ablehnend: »Ob die Amerikaner nicht gegen Herrn Stroheim eine Anklage wegen verleumderischer Schaustellung ihres unbeschränkt schlechten Geschmacks erheben sollten?« fragte die Deutsche Allgemeine Zeitung. (Filmmuseum München) «(...) Stroheim adaptierte den Stoff der harmlosen Operette so, dass aus der leichtgewichtigen Komödie eine giftige Satire auf sexuelle Obsessionen und die Käuflichkeit des Menschen wurde. Er konnte sich aber weder bei der Wahl der Hauptdarsteller durchsetzen noch wurde ihm erlaubt, die Paraderolle des Mirko selbst zu spielen. Viele opulente Szenen, die sich mit der organisierten Prostitution bei Hof beschäftigten, und etliche Verführungsszenen zwischen den Hauptcharakteren fielen der Zensur des Studios zum Opfer. Trotz dieser Verstümmelungen atmet der Film eher den Geist der Roaring Twenties als den einer schon damals verstaubten Operette.» (gp, Filmarchiv Austria)

Niagara in Winter 1909

Directed by:   N. N., USA - 1909
Production: Charles Urban Trading Company - Producer: Charles Urban Trading Co. - Director: N. N. -

The Perils of Pauline

Directed by:   Louis Gasnier, USA - 1914
Production: Pathé Frères (USA) - Distribution: The General Film Company, Inc. - Eclectic Film Company - Producer: Theodore Wharton - Leopold Wharton - Director: Donald MacKenzie - Louis Gasnier - Assistant Director: Spencer Gordon Bennet - Scenario: George B. Seitz - Story: Charles W. Goddard - Director of Photography: Arthur C. Miller - Camera Assistant: Harry Wood - Art Department: Frank Redman property master - Cast: Joe Cuny - Clifford Bruce Gypsy Leader - Frank Redman (AKA Frank Redman Sr.) - Louis J. Gasnier - Oscar Nye - Louise Du Pre - Francis Carlyle Hicks - Owen's Henchman - Edward José Sanford Marvin - Pauline's Father - Donald MacKenzie Blinky Bill - Paul Panzer Raymond Owen - Sam J. Ryan Baskinelli - Pearl White Pauline Marvin - Crane Wilbur Harry Marvin - Eleanor Woodruff Lucille Sampson / Mlle. de Leongeon - Sidney Blackmer - Jack Standing Ensign Summers - Leroy Baker - Charles Revada -
Remarks and general Information: Serial in 18 (20??) Episoden, neun Episoden sind erhalten geblieben.

Les petits Pifferari

Directed by:   nicht genannt, France - 1909
Production: Pathé Frères, Paris -

La poule aux oeufs d'or

Directed by:   Gaston Velle, France - 1905
Production: Pathé Frères, Paris - Director: Gaston Velle - Story: Jean de la Fontaine - Director of Photography: Segundo de Chomón - Cast: Charles Lepine - Julienne Mathieu -

Rotaie

Directed by:   Mario Camerini, Italy - 1930
Director: Mario Camerini - Cast: Käthe von Nagy -

The short sighted Cyclist

Directed by:   Marcel Fabre, France - 1907
Production: Société Générale des Cinématographes Éclipse - Producer: Charles Urban Trading Co. - Director: Marcel Fabre --??-- - Cast: Marcel Fabre -

The Ten Commandments

Directed by:   Cecil B. DeMille, USA - 1923
Production: Famous Players-Lasky Corporation - Producer: Adolph Zukor - Director: Cecil B. DeMille - Assistant Director: Cullen Tate - Scenario: Jeanie Macpherson - Director of Photography: J.F. Westerberg - J. Peverell Marley AKA Peverell Marley - Archie Stout - Bert Glennon - Editor: Anne Bauchens - Art Director: Paul Iribe - Francis McComas - Special Effects: Roy Pomeroy (/xx/) - Cast: Charles Ogle The Doctor - Robert Edeson Redding, an Inspector - Noble Johnson The Bronze Man - Clarence Burton The Taskmaster - Lawson Butt Dathan, The Discontented - Terrence Moore The Son of Pharaoh - Edythe Chapman Mrs. Martha McTavish - Charles De Rochefort - Richard Dix John McTavish - Leatrice Joy Mary Leigh - Rod La Rocque Dan McTavish - Myrna Loy - Nita Naldi Sally Lung, a Eurasian - James Neill Aaron, Brother of Moses - Theodore Roberts Moses - Estelle Taylor Miriam - Rex Ingram - Charles De Rochefort Ramses - Julia Faye The Wife of Pharaoh - Agnes Ayres The Outcast -

The "Teddy" Bears

Directed by:   Edwin S. Porter, USA - 1907
Director: Edwin S. Porter -
Remarks and general Information: «The story of the hunting expedition when Theodore Roosevelt had declined to shoot a bear cub after killing its mother had become so embedded in the popular imagination that it was now represented by a furry stuffed toy known as a “Teddy” bear. Teddy bears became a nationwide fad. The “Teddy” Bears, made by Wallace McCutcheon and Edwin S. Porter for Edison, was meant, according to its advertisements, to be a satire on the teddy bear craze. The first part of the film is a recounting of the very popular fairy tale of Goldilocks and the Three Bears, told in sequential scenes and in a variety of indoor and outdoor spaces, with vestiges of the temporal overlapping that characterized Porter’s early films. Originally a tale of bears eating an intrusive female fox, now changed into the story of a curious girlchild who escapes harm by jumping out the window after being discovered by the bears in their house, the story featured a heroine who comes from who-knows-where and tries out identities as she samples the porridge and the beds of Papa Bear, Momma Bear, and Baby Bear. In the Goldilocks character, we might find an unconscious reflection of the immigrant who attempts to find a role in the New World and is regarded as an object of suspicion by established society. The fairy tale is ambiguous on the question of where its sympathies lie. In the film, the cruelty of the hunter who shoots the pursuing bears (clearly human beings in furry costumes) as they chase Goldilocks through the woods hands over our sympathy to the bears. In a direct reference to the Teddy Roosevelt mythology, Goldilocks pleads with the hunter to spare the life of the bear cub. He does so, and Goldilocks goes in the house to collect the toy teddy bears; the hunter then emerges with Baby Bear, a chain around its neck, an orphan and a prisoner. The third element in this mixture of fairy tale and contemporary political life is an animated sequence showing a group of toy teddy bears of assorted sizes putting on a kind of acrobatic display. According to Charles Musser, the animated sequence took 8 days of work, moving the teddy bears between each shot. It is seen through a peephole by Goldilocks as she snoops around the house. Typically for this period, there is not a lot of narrative logic for the animation sequence, even if it does serve to underline the Goldilocks role as an outsider looking in. It is there to provide an attraction for the audience. It is a spectacle outside the narrative continuity. Porter was often drawn to the time-consuming technical work that provided wonder and entertainment.» – Eileen Bowser, Pordenone 2009

William Voss, der Millionendieb

Directed by:   Rudolf Meinert, Germany - 1915
Production: Meinert-Film Bürstein & Janak, Berlin - Producer: Rudolf Meinert - Director: Rudolf Meinert - Scenario: Rudolf Meinert - Based on : Ladislaus Turszinsky - Cast: Leopold Bauer William Voss - Herr von Stral Graf Lordion Chamberley - Carl Thiemann Arzt - Theodor Burghardt Sherlock Holmes (AKA Herr Boerns ??) - Victor Colani Bellmann, Notar - Emil Wittig Waren, Präsident des Vereins Nächstenliebe -